Alianza Forma

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El presente volumen se enfrenta con la no fácil tarea de analizar el arte más cercano en el tiempo con el fin de integrar la creación plástica actual en la dinámica de la historia. La autora parte del simbólico 1968, momento que supone el fin del dogma formalista y en el que el posminimalismo se precipita en una intensa desmaterialización de la obra de arte.

A partir de ese punto aborda la llamada posmodernidad, desde la posmodernidad citacionista y cálida derivada del «pensamiento débil» a la reivindicadora de un «yo» apolítico y hedonista, hasta la posmodernidad que en su democratización pluralizante mantiene un fuerte compromiso con lo étnico, el feminismo, la diversidad sexual y el «otro» cultural, pasando por la posmodernidad simulacionista, apropiacionista e inexpresionista que, amparada en la «muerte metafórica del autor», alienta la crítica de la representación y la vuelta a los sistemas de reproducción.

El resultado de este análisis es una historia del arte último del siglo XX en la que se descubren las conexiones entre el arte y el discurso teórico, se estudia el pensamiento que genera los distintos movimientos, y se analizan los principales artistas y las obras que configuran el perfil creativo de nuestra época.
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La escultura, edición póstuma de una serie de conferencias pronunciadas en la Universidad de Cambridge en 1970-1971, no es una historia de la escultura occidental ni un manual de técnicas, sino una indagación en un campo menos explorado: la interacción de procedimientos de trabajo y principios formales, interacción que en el caso de la plástica determina, de manera más esencial y tangible que en otras artes, el carácter final de la obra y la formación de los estilos individuales y colectivos.

Mediante el análisis atento de obras y testimonios directos, Wittkower ofrece una comprensión más profunda de la escultura de cualquier época, desde la Antigüedad hasta nuestros días, y una visión insospechada de esa permanencia de problemas y soluciones que hermanan la labor de los canteros medievales con los esfuerzos de un Brancusi o un Henry Moore.
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Si la publicación en 1975 de la monumental History of Greek Art marcó un hito en los estudios sobre el arte clásico, la síntesis de ese libro, realizada por el propio Martin Robertson con la finalidad de ampliar el círculo de sus posibles lectores, conserva la profundidad del análisis y el inteligente uso de la erudición que caracterizan a la versión original. Orientada según criterios básicamente pedagógicos, esta edición abreviada reduce el número de las obras estudiadas pero respeta la primitiva distribución de capítulos. Así, El arte griego permite seguir, en un orden básicamente cronológico, la apasionante andadura de la tradición artística griega, desde su nacimiento en los oscuros tiempos prehelénicos (los períodos geométrico y orientalizante) hasta su «barroquización» en el período helenístico, pasando por el arte arcaico maduro, el momento clásico y su evolución a lo largo del siglo IV.
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                    [post_content] => El espacio de la Ilustración. Tomando como ejes de su trabajo el terreno de la reforma institucional y el ámbito de la historiografía, Anthony Vidler redefine en este original estudio la relación entre arquitectura y sociedad durante el apasionante periodo que alumbró la Enciclopedia y la Revolución Francesa. La teoría arquitectónica en Francia a finales del siglo XVIII se estructura en dos partes. En la primera, dedicada a las teorías de la forma institucional, Vidler reflexiona sobre las diversas ideas de institución en la arquitectura y la sociedad, para pasar a analizar a continuación algunos ámbitos en que la noción de reforma institucional se proyectó, como la fábrica, el hospital o la prisión, y examinar el poder de la vinculación entre arquitectura y sociedad que se manifiesta en el diseño de las logias masónicas y en las sociedades y arquitecturas alternativas ideadas por marginales como Sade, Fourier y Lequeu. La segunda parte, dedicada a las teorías de la interpretación histórica, centra su atención primeramente en una serie de estudiosos -Winckelmann, Viel de Saint-Maux, Quatremère de Quincy- cuyos textos revelan la variedad de posturas historiográficas existente en la época, para acabar examinando, en sendos capítulos, el reflejo de este conflicto de modelos en el contexto del Musée des Monuments Français de Lenoir y, en el dedicado a Séroux d'Agincourt y Gibbon, la mezcla de relativismo y método comparativo que resume los problemas historiográficos de fines del XVIII. El análisis que Vidler lleva a cabo de la interacción entre teoría y práctica en un momento en que los arquitectos se esforzaron por adaptar la belleza a los dictados de las necesidades sociales lleva a cuestionarse los lugares comunes que califican a la arquitectura francesa de este periodo de "visionaria" y "revolucionaria", para ver en ésta, por contra, el inicio de la arquitectura moderna.
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Como señalo Herbert Read, Arte y percepción visual -cuya primera edición data de 1954- fue «el primer intento sistemático de aplicar a las artes visuales los principios de la psicología de la gestalt». Desde un enfoque eminentemente práctico, Rudolf Arnheim -nacido en Berlín en 1904, catedrático de Psicología del Arte en la Universidad de Harvard desde 1968- deslinda los componentes básicos de la obra de arte, basándose en los resultados de numerosos estudios experimentales y mostrando la universalidad de factores como el equilibrio, la tendencia a la forma más simple y el fenómeno de figura y fondo. En esta nueva versión -completamente revisada- el texto original ha ganado en precisión, conservando al tiempo la claridad de lenguaje que lo hace accesible al lector no especializado.

El autor:

Rudolf Arnheim fue un psicólogo y filósofo nacido en Berlín, Alemania en 1904. Influido por la psicología de la Gestalt y por la hermenéutica, realizó importantes contribuciones para la comprensión del arte visual y otros fenómenos estéticos.

Alianza Editorial fue fundada en 1966 por un destacado grupo de intelectuales, con el objetivo de vivificar y agitar la claustrofóbica atmósfera cultural española, de promover el debate y de difundir el conocimiento entendido como una de las herramientas de cambio más poderosas para la sociedad española del momento. Corrían los últimos años de la dictadura de Franco, que duraría hasta finales de 1975, y por entonces los más destacados autores y obras literarias únicamente circulaban en ediciones extranjeras o clandestinas.
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                    [post_content] => En "Las vanguardias artísticas del siglo XX", el escritor y crítico de arte Mario de Micheli ha trazado una crónica viva de los grandes movimientos que configuraron la transformación de las artes plásticas desde el cambio de siglo hasta 1950, buscando su línea de continuidad y su común razón de ser en aquello que propiamente constituye la esencia de la vanguardia: el ánimo de ruptura cultural. Combinando el dato histórico y la crítica, se ofrecen aquí los materiales de una visión de los "ismos" más profunda que la mera catalogación de variantes formales; una visión integral, apoyada, de una parte, en el examen de la actividad creadora de los artistas más representativos del período, y, de otra, en los manifiestos y programas que presentaron las posiciones de partida de cada grupo.

Alianza Editorial inicia su actividad en 1966 y posee un rico y prestigioso catálogo que incluye obras de temáticas y formatos muy diversos. La colección El libro de bolsillo, emblemática en el mundo de habla hispana, destaca por sus Bibliotecas de Autor, con títulos de los escritores más célebres de la literatura española e hispanoamericana, pero también de autores internacionales como Salinger, Golding, Kafka, Brecht, Schopenhauer, Freud, Mishima, entre muchos otros.
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                    [post_content] => La colección de vidas de santos que conocemos por el nombre de La leyenda dorada es en su mayor parte -hay añadidos de épocas posteriores- obra de Santiago de la Vorágine (h. 1228-1298), dominico italiano que llegó a ser arzobispo de Génova. De intención edificante, constituye una de las más claras expresiones de una literatura cristiana que, situándose muy lejos del discurso teológico e incorporando narraciones piadosas que en ocasiones se remontan a los siglos IV, V y VI, conectaba con el alma popular mediante la sabia fusión de historia y leyenda y de espiritualidad y materialidad. El gusto por el detalle visible y palpable que impregna estos relatos recorre asimismo la serie de xilografías que ilustra esta edición, procedente de la traducción italiana de la Leyenda que en Venecia publicó Capcasa en 1494. La inclusión de La leyenda Dorada en Alianza Forma apenas precisa de justificación. Ofrecer al lector español, y por primera vez, uno de los repertorios iconográficos más utilizados por el arte occidental desde el período tardomedieval hasta el siglo XIX tiene un indudable interés también para los estudiosos de la iconografía y del arte en general. La Leyenda, término que no conlleva aquí significación alguna de fantasia o ficción, sino la etimología de «lo que se debe leer», ha sido traducida directamente del latín por fray José Manuel Macías, O.P.

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                    [post_content] => Crónica sentimental que rememora con afecto las relaciones establecidas entre el autor y ciertos colegas en el diseño gráfico cuya obra admira casi sin reservas, y más de una incondicionalmente. Se trata de recordar con emoción a cuarenta y ocho queridos compañeros del autor en el diseño gráfico, nacionales y extranjeros, algunos ausentes, otros jubilados y algunos -no muchos- todavía activos. El autor se pregunta si el futuro del diseño gráfico español no dependerá, en sustancia, de cómo se enfoque el pasado.
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Obra clásica, casi legendaria, en el campo de los estudios humanísticos, Saturno y la melancolía representa el fruto de casi cincuenta años de trabajo de tres figuras capitales de nuestro siglo para la historiografía de las artes visuales, Raymond Klibansky, Erwin Panofsky y Fritz Saxl, continuadores de la obra iniciada por Aby Warburg. Sus orígenes se remontan a 1923 con la publicación de un estudio de Panofsky y Fritz Saxl sobre el grabado «Melancolia I» de Durero. Agotada la obra, se decidió preparar una nueva edición, revisada y ampliada, en la que se describiría detalladamente el desarrollo de la doctrina de los temperamentos y se haría la historia de «Saturno, Señor de la Melancolía», hasta los umbrales de la época moderna. Con el tiempo, la extensión del objeto de la investigación obligó a abandonar el esquema de la monografía sobre el mencionado grabado, y con la incorporación de Klibansky surgió el proyecto de un libro nuevo. Este modélico estudio resulta hoy de imprescindible lectura para los interesados en disciplinas tan variadas como la filosofía, la literatura, la medicina, la astrología o, naturalmente, el arte. Dividido en cuatro partes, la primera trata de la noción de melancolía y su evolución histórica durante la Antigüedad y la Edad Media, mientras que la segunda se centra en el estudio de Saturno, astro de la melancolía, en el contexto tanto de la tradición literaria como de la tradición pictórica antigua y medieval; la tercera estudia la «melancolía poética» en la poesía postmedieval así como la glorificación de la melancolía y de Saturno en el neoplatonismo florentino y el origen de la ideal moderna de genio. Finalmente, la cuarta parte está dedicada al grabado «Melancolia I» de Durero, obra singular que ha dado origen a un gran número de complejas interpretaciones de carácter astrológico, psicoanalítico, sociológico, teológico o filosófico.
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            [post_content] => El arte último del siglo XX

El presente volumen se enfrenta con la no fácil tarea de analizar el arte más cercano en el tiempo con el fin de integrar la creación plástica actual en la dinámica de la historia. La autora parte del simbólico 1968, momento que supone el fin del dogma formalista y en el que el posminimalismo se precipita en una intensa desmaterialización de la obra de arte.

A partir de ese punto aborda la llamada posmodernidad, desde la posmodernidad citacionista y cálida derivada del «pensamiento débil» a la reivindicadora de un «yo» apolítico y hedonista, hasta la posmodernidad que en su democratización pluralizante mantiene un fuerte compromiso con lo étnico, el feminismo, la diversidad sexual y el «otro» cultural, pasando por la posmodernidad simulacionista, apropiacionista e inexpresionista que, amparada en la «muerte metafórica del autor», alienta la crítica de la representación y la vuelta a los sistemas de reproducción.

El resultado de este análisis es una historia del arte último del siglo XX en la que se descubren las conexiones entre el arte y el discurso teórico, se estudia el pensamiento que genera los distintos movimientos, y se analizan los principales artistas y las obras que configuran el perfil creativo de nuestra época.
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