Artes

Encuentra los mejores libros de Arte, su historia, sus métodos, grandes artistas de todos los tiempos, y algunos otros temas para conocer y aprender. Ediciones Larousse, Cátedra, Tecnos, Alianza Editorial y más.

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También, sugiere diez canciones representativas de cada uno y ofrece una descripción general del estilo y los pasos básicos sobre los que se asienta cada danza para que el lector pueda practicarlas. Está ilustrado con fotografías de época y contemporáneas, así como con demostraciones en video de cada uno de los bailes que podrá descargar escaneando códigos QR. A través de las páginas, el autor comparte datos y anécdotas personales sobre sus experiencias en distintas escenas internacionales de swing, así como de sus encuentros con personalidades y pioneros de este baile.

Swing. Moda, música, cultura y pasos básicos es un libro artístico, que contiene elementos de la música y el baile en distintas etapas de su historia. Es un libro para artistas o para personas que gusten de aprender más sobre las bellas artes.
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                    [post_content] => Grandes misterios de la pintura, de Larousse, es un libro que presenta un recorrido por las obras artísticas europeas que van del siglo XIV hasta mediados del siglo XX. Contiene información interesante sobre el contexto histórico de diversas pinturas, así como sus técnicas y los misterios que envuelven a algunas de estas obras.

Una pintura puede ocultar otra igualmente fascinante. El lenguaje pictórico está lleno de enigmas, equívocos, contradicciones que vienen de la técnica, pero también de la representación, el significado, la recepción. Las mejores obras de arte plantean más preguntas de las que responden y su poder de fascinación a menudo reside en los misterios que mantienen.

En Grandes misterios de la pintura podrás encontrar desde el nacimiento de la Venus de Botticelli hasta el imperio de las luces de Magritte, gobernante indiscutible del enigma, este libro revela algunas de estas sombras. Juega a las escondidas, pistas dispersas, significado cifrado, redescubrir desde un nuevo ángulo las mejores obras maestras de la historia.

Nunca los mirarás como antes. ¿Qué luce tan intensamente la niña de la perla?, ¿Qué anomalías escondió Van Eyck en los cónyuges de Arnolfini?, ¿Quién es la misteriosa mujer representada en la Mona Lisa?, ¿Por qué Hans Holbein integró la imagen de un cráneo deformado con una anamorfosis sorprendente en su imagen?, ¿Quién está mirando quién en Las Menas de Velásquez?, ¿Por qué la impresión, el sol naciente, se ha convertido en una pintura de culto?, ¿Qué terrible miedo inspiró a Edvard Munch the Scream?, ¿Por qué el Talismán de Serusier fascina tanto?, ¿Cuáles son las pistas ocultas por Picasso en Guernica que alteraron el significado de la obra?

Atrévete a echar un vistazo a esta fenomenal obra de arte. Contiene 224 páginas y su portada es pasta dura.
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                    [post_content] => Más allá de las fotos instantáneas Cómo apagar el modo "Automático" de esa sofisticada cámara DSLR y fotografiar su vida como un profesional es un libro diseñado con un estilo ameno y fácilmente comprensible, las autoras muestran los errores que con más frecuencia cometen los fotógrafos principiantes y brindan consejos para evitarlos. Además, explican las bases para tomar buenos retratos de niños, amigos, mascotas e incluso de uno mismo. La captura de la luz es otro de los temas tratados con detalle por estas fotógrafas expertas, pues el dominio de esa materia prima de la fotografía, que es la luz, permitirá conseguir imágenes más dramáticas, haciendo resaltar los colores y logrando ojos y piel más realistas y brillantes en cada fotografía.

Las fotógrafas profesionales Rachel Devine y Peta Mazey muestran cómo utilizar las cámaras DSLR para tomar extraordinarias fotografías de la vida cotidiana. Ellas parten de la idea de que toda vida es una historia que vale la pena contar a través de imágenes. También consideran que a nuestro alrededor hay belleza y que hay que aprender a verla y plasmarla en fotografías.
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El presente volumen se enfrenta con la no fácil tarea de analizar el arte más cercano en el tiempo con el fin de integrar la creación plástica actual en la dinámica de la historia. La autora parte del simbólico 1968, momento que supone el fin del dogma formalista y en el que el posminimalismo se precipita en una intensa desmaterialización de la obra de arte.

A partir de ese punto aborda la llamada posmodernidad, desde la posmodernidad citacionista y cálida derivada del «pensamiento débil» a la reivindicadora de un «yo» apolítico y hedonista, hasta la posmodernidad que en su democratización pluralizante mantiene un fuerte compromiso con lo étnico, el feminismo, la diversidad sexual y el «otro» cultural, pasando por la posmodernidad simulacionista, apropiacionista e inexpresionista que, amparada en la «muerte metafórica del autor», alienta la crítica de la representación y la vuelta a los sistemas de reproducción.

El resultado de este análisis es una historia del arte último del siglo XX en la que se descubren las conexiones entre el arte y el discurso teórico, se estudia el pensamiento que genera los distintos movimientos, y se analizan los principales artistas y las obras que configuran el perfil creativo de nuestra época.
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                    [post_content] => La escultura: procesos y principios. Vinculado, como otros grandes historiadores del arte europeo, al fecundo Instituto de Londres Rudolf Wittkower (1901-1971) se distinguió por sus ejemplares estudios sobre la arquitectura y la escultura del Renacimiento y el Barroco: Architectural Principles in the Age of Humanism (1949), Gian Lorenzo Bernini (1955), Art and Architecture in Italy 1600 to 1750 (1958).

La escultura, edición póstuma de una serie de conferencias pronunciadas en la Universidad de Cambridge en 1970-1971, no es una historia de la escultura occidental ni un manual de técnicas, sino una indagación en un campo menos explorado: la interacción de procedimientos de trabajo y principios formales, interacción que en el caso de la plástica determina, de manera más esencial y tangible que en otras artes, el carácter final de la obra y la formación de los estilos individuales y colectivos.

Mediante el análisis atento de obras y testimonios directos, Wittkower ofrece una comprensión más profunda de la escultura de cualquier época, desde la Antigüedad hasta nuestros días, y una visión insospechada de esa permanencia de problemas y soluciones que hermanan la labor de los canteros medievales con los esfuerzos de un Brancusi o un Henry Moore.
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Si la publicación en 1975 de la monumental History of Greek Art marcó un hito en los estudios sobre el arte clásico, la síntesis de ese libro, realizada por el propio Martin Robertson con la finalidad de ampliar el círculo de sus posibles lectores, conserva la profundidad del análisis y el inteligente uso de la erudición que caracterizan a la versión original. Orientada según criterios básicamente pedagógicos, esta edición abreviada reduce el número de las obras estudiadas pero respeta la primitiva distribución de capítulos. Así, El arte griego permite seguir, en un orden básicamente cronológico, la apasionante andadura de la tradición artística griega, desde su nacimiento en los oscuros tiempos prehelénicos (los períodos geométrico y orientalizante) hasta su «barroquización» en el período helenístico, pasando por el arte arcaico maduro, el momento clásico y su evolución a lo largo del siglo IV.
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                    [post_content] => El espacio de la Ilustración. Tomando como ejes de su trabajo el terreno de la reforma institucional y el ámbito de la historiografía, Anthony Vidler redefine en este original estudio la relación entre arquitectura y sociedad durante el apasionante periodo que alumbró la Enciclopedia y la Revolución Francesa. La teoría arquitectónica en Francia a finales del siglo XVIII se estructura en dos partes. En la primera, dedicada a las teorías de la forma institucional, Vidler reflexiona sobre las diversas ideas de institución en la arquitectura y la sociedad, para pasar a analizar a continuación algunos ámbitos en que la noción de reforma institucional se proyectó, como la fábrica, el hospital o la prisión, y examinar el poder de la vinculación entre arquitectura y sociedad que se manifiesta en el diseño de las logias masónicas y en las sociedades y arquitecturas alternativas ideadas por marginales como Sade, Fourier y Lequeu. La segunda parte, dedicada a las teorías de la interpretación histórica, centra su atención primeramente en una serie de estudiosos -Winckelmann, Viel de Saint-Maux, Quatremère de Quincy- cuyos textos revelan la variedad de posturas historiográficas existente en la época, para acabar examinando, en sendos capítulos, el reflejo de este conflicto de modelos en el contexto del Musée des Monuments Français de Lenoir y, en el dedicado a Séroux d'Agincourt y Gibbon, la mezcla de relativismo y método comparativo que resume los problemas historiográficos de fines del XVIII. El análisis que Vidler lleva a cabo de la interacción entre teoría y práctica en un momento en que los arquitectos se esforzaron por adaptar la belleza a los dictados de las necesidades sociales lleva a cuestionarse los lugares comunes que califican a la arquitectura francesa de este periodo de "visionaria" y "revolucionaria", para ver en ésta, por contra, el inicio de la arquitectura moderna.
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Como señalo Herbert Read, Arte y percepción visual -cuya primera edición data de 1954- fue «el primer intento sistemático de aplicar a las artes visuales los principios de la psicología de la gestalt». Desde un enfoque eminentemente práctico, Rudolf Arnheim -nacido en Berlín en 1904, catedrático de Psicología del Arte en la Universidad de Harvard desde 1968- deslinda los componentes básicos de la obra de arte, basándose en los resultados de numerosos estudios experimentales y mostrando la universalidad de factores como el equilibrio, la tendencia a la forma más simple y el fenómeno de figura y fondo. En esta nueva versión -completamente revisada- el texto original ha ganado en precisión, conservando al tiempo la claridad de lenguaje que lo hace accesible al lector no especializado.

El autor:

Rudolf Arnheim fue un psicólogo y filósofo nacido en Berlín, Alemania en 1904. Influido por la psicología de la Gestalt y por la hermenéutica, realizó importantes contribuciones para la comprensión del arte visual y otros fenómenos estéticos.

Alianza Editorial fue fundada en 1966 por un destacado grupo de intelectuales, con el objetivo de vivificar y agitar la claustrofóbica atmósfera cultural española, de promover el debate y de difundir el conocimiento entendido como una de las herramientas de cambio más poderosas para la sociedad española del momento. Corrían los últimos años de la dictadura de Franco, que duraría hasta finales de 1975, y por entonces los más destacados autores y obras literarias únicamente circulaban en ediciones extranjeras o clandestinas.
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Teoría de las artes en Italia, 1450-1600

En este texto, Anthony Blunt se interesa no por el estudio exclusivo de las fuentes de una época del arte italiano, concretamente el Renacimiento y el Manierismo, sino por su interpretación y penetración de forma amena y asequible. La visión que da el autor de la teoría de las Artes es una idea omnicomprensiva, que no abandona la perspectiva del artista como creador de obras plásticas y, en algunos casos, literarias como en el caso de Alberti, Leonardo o Miguel Ángel. En última instancia, el problema que subyace en todo el libro es un problema social: la consideración del arte como liberal, y la preocupación por la posición social del artista. EL autor Anthony Frederick Blunt (1907-1983) fue un historiador de arte inglés, y el "cuarto hombre" de Los cinco de Cambridge, junto con Donald Maclean, Guy Burguess, John Cairncross y Kim Philby, un grupo de espías que trabajaron para la Unión Soviética durante la Guerra fría y anteriormente a ésta. Blunt trabajó para los servicios secretos soviéticos durante 2 décadas, era un comunista convencido, que había sido formado en doctrina marxista durante su etapa de formación universitaria. Ediciones Cátedra Creada en 1973, Cátedra es líder en la edición de clásicos de la literatura comentados, con sus colecciones “Letras Hispánicas” y “Letras Universales”. También publica libros de lingüística, de crítica y estudios literarios y de filosofía, así como libros de arte, historia y cine, algunos de ellos ilustrados. Ofrece ediciones digitales tanto de las novedades como del fondo editorial. Dispone de un catálogo de más de 2000 títulos. [post_title] => Teoría de las artes en Italia [post_excerpt] => En este texto, Anthony Blunt se interesa no por el estudio exclusivo de las fuentes de una época del arte italiano, concretamente el Renacimiento y el Manierismo, sino por su interpretación y penetración de forma amena y asequible. 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Analiza además los distintos tipos de productor, el equipo de personas que intervienen en el proceso, cómo se elabora un plan de producción, el material que debe contratarse y la función del productor una vez acabada la película. El texto se completa con una síntesis de la nueva Ley de Cinematografía. Ediciones Cátedra Creada en 1973, Cátedra es líder en la edición de clásicos de la literatura comentados, con sus colecciones “Letras Hispánicas” y “Letras Universales”. También publica libros de lingüística, de crítica y estudios literarios y de filosofía, así como libros de arte, historia y cine, algunos de ellos ilustrados. Ofrece ediciones digitales tanto de las novedades como del fondo editorial. Dispone de un catálogo de más de 2000 títulos.   [post_title] => La producción cinematográfica [post_excerpt] => La producción cinematográfica. 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